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AÑO: 1996
DURACIÓN: 99
min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR:Coline
Serreau
GUIÓN: Coline
Serreau
MÚSICA: Coline
Serreau
FOTOGRAFÍA: Robert
Alazraki
REPARTO: Coline
Serreau, Vincent
Lindon, Samuel
Tasinaje, Marion
Cotillard, Claire
Keim, Catherine
Samie, Paul
Crauchet, Didier
Flamand
PRODUCTORA: Les
Films Alain Sarde / TF1 Films Productions
GÉNERO: Comedia. Fantástico
SINOPSIS: Año
6000: en un desarrollado planeta donde la gente vive 250 años nadie quiere
ir de viaje a la TierraUna visión naif y divertida de un mundo mejor, que
deja el nuestro en ridículo. Película controvertida. Hay que verla para
opinar.
Trailers/Vídeos
En el año 1996 estrenaron esta pelicula francesa, “El Planeta Libre” y es una auténtica obra maestra.
En un lejano planeta discurre el año 6000. Sus habitantes son
seres muy avanzados, que viven aproximadamente unos 250 años, han
prescindido de los objetos materiales y se comunican
telepáticamente.
Han alcanzado el grado máximo de civilización gracias a una
vida sencilla y ecológica. Esa vida feliz a la que está
acostumbrada choca con el caos de un París estresante, lleno de
ruidos y contaminación, con una comida horrible, y donde una
cosa primitiva llamada dinero todavía está en uso.
Su alimentación: la más favorable: Raw Food!
En la reunión anual en la que afectan a la comunidad siempre surge
la misma pregunta: ¿alguien quiere ir a la Tierra? Nadie se atreve a
hacer el viaje a este peligroso y primitivo planeta, hasta que
Mila, la hija del último hombre que estuvo allí, se presta como
voluntaria. ¿Aquí empezará la mayor aventura de su vida?
La actriz Patricia Medina, fallecida el 28 de abril a los 92 años,
tenía un fuerte acento inglés pero su fisonomía latina y su aspecto
voluptuoso le sirvieron para evitar los papeles de personajes ingleses.
Nacida en Liverpool en 1919, era hija de padre español y madre inglesa.
Medina apareció en más de 50 películas. Rara vez tuvo que hacer gala
de grandes dotes interpretativas. Aprovechó la oportunidad que tuvo de
trabajar con un director como Orson Welles en Confidential report (1955), interpretando a una bailarina que intenta seducir a un Welles metido en la piel de un rico amnésico.
En los últimos años de su adolescencia hizo una prueba en los
estudios Elstree: “Estaba claro que no sabía interpretar. No podía creer
que les gustara, pero un productor me dijo que su buena opinión sobre
mí se debía a que era guapa”, recordaba. Hizo 10 películas en Gran
Bretaña entre 1937 y 1945 (El gran Mitchell (1942) y They met in the dark (1943), con James Mason), etapa en la que fue considerada “la más bonita de Inglaterra”.
En 1945, se mudó a Los Ángeles para participar en el melodrama Desconfianza
(1946), aunque apenas destacó en unos créditos encabezados por
Claudette Colbert, Walter Pidgeon y June Allyson. Continuó con un papel
de mujer seductora en Débil es la carne (1947) y El capitán O’Flynn (1949). Después de dar vida a la famosa acémila parlante en Mi mula Francis (1950), aceptó el reto de meterse en la piel de una experta en el manejo de la espada, protagonizando cuatro filmes: Fortunes of captain Blood (1950); la secuela Bandera pirata (1952), Las aventuras de Dick Turpin (1951) y Lady in the iron mask (1952).
Se volcó en la recreación del mundo de las Mil y una noches con La alfombra mágica (1951), Aladdin and his lamp (1952) y Siren of Bagdad
(1953) con sus bellos ojos centelleando tras el velo. En los cincuenta
se convirtió en la obsesión de Karl Malden, el biólogo misógino de El fantasma de la calle Morgue (1954).
Además de aparecer en episodios de El zorro y en series sobre el lejano Oeste, en 1962 debutó con su segundo marido, Joseph Cotten, en Broadway con Calculated risk, una novela policíaca que se representó seis meses.
Cuando la salud de Cotten se deterioró, Medina se volcó en cuidarlo, trabajando esporádicamente. En 1998 publicó sus memorias, Laid back in Hoollywood: remembering.
El padre de la actriz, Ramón Medina Nebot, había nacido en Las Palmas de Gran Canaria (España) pero conoció en Inglaterra a Wonda, la que sería su esposa y se estableció allí para siempre.2 Sobre sus orígenes canarios
la propia actriz reconocía en una entrevista: "mi padre es canario y, a
pesar de ello, mi hermana pequeña nunca llegó a conocer las islas.
Quien sí las conoce bien es la mayor".3
Patricia es la segunda de tres hermanas, Piti (Pepita) la mayor, y
Gloria la más pequeña. Patricia pasó su infancia en una bella mansión de
Stanmore donde la música era protagonista: su padre era tenor y llegó a cantar en la Scala de Milán con el seudónimo de Nevotti y mientras su hermana Piti tocaba el piano, Gloria cantaba admirablemente.4
Empieza su carrera cinematográfica en Inglaterra, muy joven, y
participando en papeles secundarios. Debutó en 1937 con un pequeño papel
en la comedia Dinner at the Ritz, dirigida por Harold D. Schuster, cuyos protagonistas eran Annabella y David Niven. En 1946 se marcha a Estados Unidos acompañando a su esposo Richard Greene, con quien se había casado el 24 de diciembre de 1941. En suelo estadounidense su primer trabajo fue en Corazón secreto de la Metro Goldwyn Mayer, junto a Claudette Colbert, Walter Pidgeon y June Allyson. Y aunque es posible verla en Débil es la carne y en Los Tres Mosqueteros en roles breves, su primer papel estelar llegaría en 1950 en La legión extranjera comedia de Bud Abbott y Lou Costello, dirigida por Charles Lamont.
Patricia Medina se divorció de Richard Greene
el 25 de junio de 1951, sin que tuvieran descendencia. Aunque ella
decía que no volvería a casarse, el 20 de octubre de 1960 se casó con Joseph Cotten,en Beverly Hills en la casa de David O. Selznick y Jennifer Jones; y este matrimonio se mantuvo unido hasta la muerte de Joseph Cotten el 6 de febrero de 1994.5
En 1998, Patricia Medina publicó su autobiografía con el título Laid Back in Hollywood: Remembering.
Carrera cinematográfica.
Desde su llegada a Estados Unidos en 1946, hizo televisión, teatro y
mucho cine, llegando a protagonizar hasta cuatro películas en un mismo
año. Aunque no pueda decirse que tuvo una carrera muy destacada, pues
trabajó sobre todo en películas de Clase B, sí que tuvo la oportunidad de ser dirigida por los directores más conocidos (Orson Welles, Robert Aldrich, George Sidney, Jean Negulesco, Richard Quine, Tay Garnett, Gordon Douglas...), y de rodar junto a muchas "estrellas" de la época (Gene Kelly, Lana Turner, James Mason, Alan Ladd, Orson Welles, Douglas Fairbanks,James Stewart, Natalie Wood, Maurice Chevalier, Glenn Ford, Karl Malden, Deborah Kerr...)
Por su belleza morena, los estudios la encasillaron -como le solía
pasar a casi todos los actores- en un tipo de papel determinado, que en
su caso fue el de exótica aventurera y, aunque muchas de sus películas
no llegaron a España, fue la protagonista en la mayoría de ellas.6 Trabajó en Inglaterra, Estados Unidos, España, Japón y en los estudios más famosos de Hollywood (Universal, Columbia, Paramount, Warner Brothers, Metro Goldwyn Mayer, United Artists, 20th Century Fox...)
Patricia y Joseph Cotten
rodaron algunas películas menores juntos pero, en rigor, se dedicaron
más a trabajar en obras de teatro, tanto en los Estados Unidos como en
Inglaterra. Sus apariciones en televisión incluyen su participación en
la serie El Zorro entre 1957 y 1959, un capítulo de la serie Bonanza titulado "The Spanish Grant" (emitido por primera vez el 6 de febrero de 1960) y en The Alfred Hitchcock Hour el capítulo titulado "See the Monkey Dance" (emitido por primera vez el 9 de noviembre de 1964).
Publicado el 02/05/2012 por peedee1234
Medina
starred in Abbott and Costello in the Foreign Legion (1950), Sangaree
with Fernando Lamas (1953), Plunder of the Sun with Glenn Ford (1953),
Botany Bay with Alan Ladd (1953) and Phantom of the Rue Morgue with Karl
Malden (1954).
She also played opposite Louis Hayward in the
'50s adventure films Fortunes of Captain Blood, The Lady and the
Bandit, Lady in the Iron Mask and Captain Pirate.
Medina and
Greene were divorced in 1951. In 1960, she wed the widowed Cotten, who
had made his feature film debut in Welles' 1941 classic Citizen Kane.
They
appeared in a number of stage productions together. Medina made her
Broadway debut in 1962 in Calculated Risk, starring Cotten, who died in
1994.
Read more celebrity gossip at: http://www.thehollywoodgossip.com/2012/05/patricia-medina-dies-at-92/#ixzz1tl...
---------------llllllllllllllllllll------------
The actress who became a leading lady of
Hollywood films in the 1950s opposite Glenn Ford, Alan Ladd, Karl
Malden and Fernando Lamas has died in Los Angeles. Patricia Medina was
92.
Her friend, Meredith Silverbach, told the Los Angeles Times
() that Medina had been in declining health and that she died Saturday
at Barlow Respiratory Hospital.The British-born actress was the widow of
actor Joseph Cotten. She arrived in Hollywood after World War II and
signed with the MGM studios.
She had lead roles in "Abbott and
Costello in the Foreign Legion" in 1950, "Sangaree" with Lamas in 1953,
"Plunder of the Sun" with Ford in 1953, "Botany Bay" with Ladd in 1953
and "Phantom of the Rue Morgue" with Malden in 1954.
Medina wrote an autobiography, "Laid Back in Hollywood," in 1998.
<iframe width="640" height="480" src="http://www.youtube.com/embed/MSPuaC3_X9Q" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 1954.- El caballero negro (The black knight)
The Black Knight - 1954 - 85 Minutes - Not Rated [NR] - Produced by: Warwick Films
This
film is presented here in it's entirety. This is a VHS transfer as this
movie is not available on DVD. This is a great film and is very hard to
find.
Starring:
Alan Ladd as John
Patricia Medina as Linet
André Morell as Sir Ontzlake
Harry Andrews as Earl Of Yeonil
Peter Cushing as Sir Palamides
Patrick Troughton as King Mark
Anthony Bushell as King Arthur
Bill Brandon as Bernard
Ronald Adam as The Abbott
Jean Lodge as Queen Guinevere
John
(Alan Ladd), a blacksmith and swordsmith, is tutored at Camelot. As a
commoner, he can't hope to win the hand of Lady Linet (Patricia Medina),
daughter of the Earl of Yeoniland (Harry Andrews), so he creates a
secret alternate identity as the Black Knight. In this new role, he is
now able to help King Arthur when Saracens and Cornish men—disguised as
Vikings -- plot to take over the country. However, his thoughts are not
only on the protection of England when the good Lady Linet becomes
threatened. When conspirators within Camelot plan to use the "Vikings"
to overthrow King Arthur, the Black Knight is branded a traitor.
Directed by Jeffrey Dell
Starring
Richard Greene, Edward Rigby, David Horne, Patricia Medina, Moore
Marriott, Joyce Barbour, Alfred Drayton, & Joan Hickson.
After
a German bombing raid, an ancestral ghost is awakened and decides to
get involved in manuevering the love life of the house's current
mistress.
Running Time: 90 minutes
Buy This Movie On DVD Here: https://www.nostalgiafamilyvideo.com/browse2.asp?prodID=1351&Cat=25
Gambler Angela (Patricia Medina)
supports her drunken father, 'Doc' Medley (Henry Hull), and runs around
with the gunslinger Slinger (Gerald Mohr).
But she really loves the new doctor in town Dr. Bruce Merritt (Richard Denning)--and the inevitable showdown looms.
Director: Carl K. Hittleman
Writers: David Lang (screenplay), Carl K. Hittleman (screenplay)
Stars: Patricia Medina, Richard Denning and Gerald Mohr
Viernes 27 de abril conferencia en el Salón
de Actos del Centro 21 de Marzo, a las 19 h.
Charla coloquio participativo
“Trovadores y
goliardos”
Un paseo por su
poesía, su música y forma de vida, sus costumbres, su gula, sentido del amor y
su ambiente casquivano pero siembre culto, de la mano de
Viernes 27 de abril conferencia en el Salón de Actos del Centro 21 de Marzo, a las 19 h.
Charla coloquio participativo "Trovadores y goliardos"
Un
paseo por su poesía, su música y forma de vida, sus costumbres, su
gula, sentido del amor y su ambiente casquivano pero siembre culto, de
la mano de Rodrigo García-Quismondo
Rodrigo recuerda a Carmen de Michelena, creadora de la Universidad
Popular; y a Gabriel González, cantautor que hoy nos acompañaría
cantando. 2:00
<iframe width="480" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/1HOWArADoY8?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>
3 Coro "Hoy comamos y bebamos" de Juan de la Encina. modificar salió muy mal
Hoy
comamos y bebamos
y
cantemos y holguemos
que mañana
ayunaremos.
Por
honra de Sant Antruejo.
parémonos hoy
bien anchos.
Embutamos
estos panchos,
recalquemos
el pellejo:
que
costumbre es de concejo
que
todos hoy nos hartemos,
que mañana
ayunaremos.
Honremos
a tan buen santo
porque
en hambre nos acorra;
comamos
a calca porra,
que mañana
hay gran quebranto.
Comamos,
bebamos tanto
hasta
que reventemos,
que mañana
ayunaremos.
Bebe
Bras, más tú Beneito.
Beba
Pedruelo y Lloriente.
Bebe
tú primeramente;
Quitarnos
has dese preito.
En
beber bien me deleito:
Daca, daca beberemos,
que mañana
ayunaremos.
Tomemos hoy gasajado,
que mañana vien la muerte;
bebamos, comamos huerte,
vámonos carra el ganado.
No perderemos bocado,
que comiendo nos iremos,
y mañana
ayunaremos.
Ver este enlace: http://perso.wanadoo.es/antoninesdos
Pilar hace una introducción a los trovadores 2:54
<iframe width="480" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/1HOWArADoY8?rel=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe>
http://es.wikipedia.org/wiki/Trovador
Un trovador es un poeta cantautor de la Edad Media. Los trovadores normalmente cantaban en occitano,
en concreto en la variante lingüística de Toulouse, que era el centro
más importante de la cultura trovadoresca que dominaban el arte de la vihuela de mano o de arco y del laúd.
Los trovadores, personajes mayoritariamente de la nobleza, a menudo a
medio camino entre el guerrero y el cortesano, con sus canciones
amorosas sobre todo, pero también con sus composiciones de propaganda
política, sus debates y, en definitiva, con su visión del mundo, nos
muestran el inicio de una historia cultural y política con una variedad
que no encontramos en ningún otro documento de la época. Su literatura,
además, será una de las fuentes básicas de la poesía que durante siglos
se cultivará en Europa occidental; incluso en el siglo XX, autores
catalanes como Josep Vicenç Foix no se pueden explicar del todo sin
conocer aquello que compusieron estos escritores de los siglos XII y
XIII.
Existe una diferencia entre trovador y juglar, pues el primero era un
poeta lírico de condición social elevada, que se acompañaba de una
melodía fija y cuyo texto se fijaba por escrito y no se transmitía con
variantes, además de que no necesitaba utilizar sus facultades
artísticas como medio de vida; mientras que el juglar llevaba una vida
ambulante, recitaba con una entonación específica pero no melódica,
memorizaba los textos e incluso improvisaba a partir de determinados
motivos temáticos, podía ayudarse de la mímica y la dramatización y, en
suma, se trataba de una literatura de transmisión oral y carácter
folclórico o popular. Sin embargo, siempre hubo concomitancias entre los
dos conceptos. Así, es posible que los juglares tuvieran entre su
repertorio las creaciones de los trovadores.
Entre las diversas posibilidades etimológicas de la palabra "trovar" la
más adecuada es la de "inventar o crear literariamente". Hace falta
distinguir en esta época el significado de dos palabras que en nuestros
días se usan sin ningún matiz diferenciador: poeta y trovador. El
primero era aquel que escribía poesía en latín, en cambio el segundo lo
hacía en una lengua romance. La misma etimología tiene la palabra trovero , aplicada a la persona que hace trovos. Su raíz desciende de Mesopotamia
Se conocen unos 350 trovadores de procedencia social muy diversa,
desde algunos de los personajes más importantes de su época, empezando
por el primer trovador conocido, Guillermo de Poitiers al Papa Clemente IV o el famoso rey de Inglaterra Ricardo Corazón de León
(que antes de presidir la corte inglesa fue duque de Aquitania y conde
de Poitiers), a otros personajes de la nobleza como el catalán Guerau de Cabrera, vizconde de Gerona y Urgel; hasta llegar a trovadores famosísimos de origen humilde, como era el caso de Marcabrú, que empezó como juglar. Han llegado a nuestros días pocos casos de trovadores mujeres ("trobairitz" o trovadoras), siempre de la nobleza, de entre las que destaca la Condesa de Día
En el caso de los trovadores de más alta posición, la creación
literaria era un ornamento más y un ejercicio de ingenio, mientras que
los procedentes de clases más humildes dependían de su habilidad para
sobrevivir y prosperar: la "amiga" a la que dirigen sus escritos es
muchas veces la esposa de un señor importante que les permitirá entrar
bajo su protección; de esta manera insertan el concepto de amor hacia
una dama superior al trovador, considerada su "señor", lo cual refleja
un sistema de relaciones feudo-vasalláticas, en las que el enamorado se
imagina como rendido vasallo.
Pese a estas diferencias sociales había una tendencia a considerarse
como iguales entre ellos ya que compartían una misma actividad, aunque
fuera con finalidades diferentes. Esto no quiere decir, claro está, que
no fueran conscientes del lugar que cada uno de ellos ocupaba en la
jerarquía de la sociedad de la época, y algunos de ellos, como Raimbaut d'Aurenga marcaban la distancia mediante un lenguaje enrevesado (trovar clus) y lo oponían a un estilo más ligero defendido por otros autores como Giraut de Bornelh (trovar leu).
Aun así, el hecho de ser trovador suponía un prestigio que hacía que
les fuera permitido aconsejar a grandes señores y disfrutar de una
confianza que en otras circunstancias no habrían tenido.
El oficio de trovador fue especialmente bien considerado durante el siglo XII,
pero ya en el siglo siguiente algunos trovadores se quejaban de la
carencia de prestigio y de que no eran acogidos como antes en todas las
cortes. La guerra contra los albigenses y la batalla de Muret
supuso también un impedimento importante en la difusión de su arte. Aun
así algunos consideran que el arte de la trova se desplazó hacia los
nuevos autores de la lírica galaico-portuguesa y la italiana, que tuvo su auge en los siglos XIII y XIV.
En general todos tenían una buena formación. Todo indica que creaban
tanto los textos como la música que los acompañaba. Eran poemas que se
caracterizaban por la imposición moldes estrictos de métrica y versificación,
que no podían improvisarse y requerían una elaboración lenta y mediante
la escritura. Casi todos estos autores habían estudiado el trivium (gramática, lógica y retórica —que implicaba el conocimiento de las poéticas grecolatinas—) y el quadrivium (aritmética, geometría, música y astronomía).
Además seguían los tratados sobre la lengua y el arte de trovar que
fueron apareciendo en su tiempo. Entre estos documentos podemos
mencionar Razos de trobar de principios del siglo XIII, de Ramon Vidal de Besalú, Reglas de trobar (1289-1291) de Jofre de Foixá, el enciclopédico Lo breviari d'amor (1288-1292) de Matfre Ermengaud,
que se centra sobre todo en el amor y su tratamiento y no en los
aspectos gramaticales estrictos. En el siglo XIV, con el fin de
revitalizar el mundo y la poética de los trovadores, Guilhèm Molinier escribió las Leys de amor (1328-1337,
versión en prosa). Ya a finales del siglo XIV y durante el siglo XV
empezaron a aparecer los primeros tratados destinados a los poetas en
lengua catalana, entre los cuales destacan el Torcimany de Lluís de Averçó y el Libro de concordancias (1371) de Jaume March (tío de Ausias March).
La poesía y la información que se conserva acerca de los trovadores ha sido transmitida por los cancioneros, puesto que algunas de estas composiciones y textos contenían datos biográficos que estos poetas daban sobre sí mismos.
La poesía trovadoresca se manifestaba a través de estilos (o trovas) diferentes:
Trova leve (o plana): expresión sencilla, palabras no complicadas ni
de doble sentido, ausencia de recursos estilísticos difíciles.
Pensamientos claros que puede captar fácilmente un auditorio variado.
Este es el estilo más utilizado, sobre todo en los sirventés.
Trova hermética: hay varios tipos: caro, oscuro, sutil, delgado,
cubierto... , según lo expresen los propios trovadores en sus
composiciones, sin especificar las características. Los dos más
habituales son los siguientes:
Trova cerrada: trova hermética basada en la complicación de
conceptos, el abuso de la agudeza, un lenguaje a menudo de argot (que
ofrece problemas de interpretación en la actualidad, no tanto,
seguramente, en el momento que se escribió). Marcabrú lo usó con
frecuencia.
Trova rica: el hermetismo se basa en la complicación de la forma,
que busca la sonoridad de la palabra y por lo tanto usa un lenguaje
difícil, con rimas extrañas, etc. Arnaut Daniel fue el gran maestro de este estilo
La poesía trovadoresca era sobre todo de temática amorosa, pero también
podía centrarse en aspectos políticos, morales, literarios, etc. A
continuación hay una clasificación no exhaustiva de su literatura
dividida en tres apartados: los géneros condicionados por la
versificación, en los que se tienen en cuenta los aspectos métricos y no
la temática, que solía ser amorosa; los géneros condicionados por el
contenido, que es el apartado más variado y extenso; y los debates entre
trovadores, es decir, aquellas composiciones en que dos trovadores se
enfrentan a través de un diálogo con una temática variada.
Géneros condicionados por la versificación
Balada es una forma de expresar el canto cortesano
del final de la Edad Media en Europa, que aparece en el Siglo XIV. La
poesía
es disociada de la música, pero la musicalidad es creada en la
escritura misma del poema. En efecto, la balada tiene la particularidad
de repetir un mismo verso, estribillo, al final de cada tres estrofas.
Está constituida por octosílabas y las rimas están cruzadas. Como regla,
la balada medieval empieza siempre con la palabra Príncipe.Aunque no
hay que confundir la balada romatica(poesía) y la Balada que vemos
ahora.
A partir de la segunda mitad del siglo XX se desarrolló la balada romántica latinoamericana como estilo musical con identidad propia.
Danza - Las danzas medievales son relativamente mal conocidas,
habiendo dejado pocas trazas escritas. Si algunas crónicas de la época
hablan de ellas, ninguna las describe, de modo que hoy día es casi
imposible saber como eran danzadas.
A esta dificultad se añade el problema del desciframiento musical: la notación musical se hacia en esa época en una pentagrama de cuatro lineas] (y no de 5 como hoy), lo que hace que la interpretación de las frases melódicas sean bastantes aleatorias.
Las primeras descripciones detalladas de baile en Europa datan de
1450 en Italia, después del comienzo del Renacimiento. Sin embargo, se
sabe que el baile fue popular en Europa durante la Edad Media, ya que es
representado en pinturas y miniaturas, y se describe en los textos.
Las formas de danza en la Edad Media incluían el carol y la estampie.
El carol consiste en un círculo de bailarines cogidos de la mano, con
los bailarines bailando mientras cantaban. Tanto el carol como la
estampie son también formas musicales. La navideña carol (como forma
musical) sobrevive hasta la época moderna.
Entre las danzas de las que se conserva el nombre hasta hoy, son de destacar:
La Danza de la muerte es un texto que se cree que se representó y bailó en el siglo XIV.
La "Danza de la Muerte" castellana es de principios del siglo XV. Se conserva en un manuscrito de la Biblioteca de El Escorial.
Consta de más de seiscientos versos y en ella, la Muerte va llamando a
bailar a diversos personajes, como el Papa, el Obispo, el Emperador, el
Sacristán,
el Labrador, etc., al tiempo que les recuerda que los goces mundanos
tienen su fin y que todos han de morir. Todos caen en sus brazos.
Este macabro espectáculo se desarrolló en toda la literatura europea,
procedente de Francia. El tema de la muerte dominó la Baja Edad Media,
y frente a ella no había resignación cristiana, sino terror
ante la pérdida de los placeres terrenales. Presenta, por un lado, una
intención religiosa: recordar que los goces del mundo son perecederos y
que hay que estar preparado para morir cristianamente; por otro lado,
una intención satírica al hacer que todos caigan muertos, con
independencia de su edad o su posición social, dado el poder igualatorio
de la muerte.
Géneros condicionados por el contenido
Cansó - La canción o cançó es un género trovadoresco condicionado por el contenido. La cançó es una composición propia de la literatura provenzal medieval; destinada al canto, en ella el trovador se dirigía a su dama para expresarle su amor. Su pasión amorosa cumplía todas las leyes del amor cortés, desde la total sumisión a la dama hasta el tópico de morir de amor. La dama se describía como un ser casi sobrenatural, perfecto en el orden moral y físico. El trovador, que se consideraba indigno de su dama, podía ser un simple suspirante (fenhedor), o haber ascendido en la escala del proceso amoroso a las fases de suplicante (pregador), enamorado (entendedor), o incluso al difícilmente alcanzable estado de amante correspondido (drutz). El que padece de amor ha de guardar sobre todo la virtud de la mesura: discreción, humildad, fidelidad y servicio permanente a su señora
Sirventés - El sirventés es una composición poética propia de la literatura provenzal, o trovadoresca, desde el punto de vista formal semejante a la de la canción (occitanocansó), pero de muy diferente temática.
Formalmente, suele constar de entre 5 y 7 coblas y una tornada (igual que la cansó).
En cuanto al contenido, se trata de un poema de circunstancias,
generalmente satírico, que puede tratar en principio cualquier tema
(moral, político, de crítica literaria), salvo el amor.
Canción de cruzada
Pastorela - La pastorela
es un estilo trovadoresco condicionado por el contenido. Similares a la
serrana o serranilla castellana, aunque anteriores, se conservan 25
pastorelas escritas en occitano. Este tipo de composición trata del encuentro en el campo de un caballero con una pastora,
a la cual intenta seducir. Se trata de una composición dialogada, con
un lenguaje agudo y vivo, que no corresponde a una situación real, sino
que es inventada por el trovador, pese a que pueden aparecer
localizaciones geográficas identificables, y que suele mostrar las
formas de habla respectivas de la aristocracia y de los villanos. El
tratamiento que se hace de la figura de la pastora es muy respetuoso, y a
menudo ella muestra mayor ingenio que el caballero a la hora de
resolver la situación comprometida en que se encuentra
Serranilla - Composición lírico-narrativa en verso de arte menor
típicamente castellana que canta el encuentro amoroso con una mujer de
la sierra o serrana. Su equivalente en la literatura provenzal sería una
pastorela,
si bien en este caso el personaje femenino es una pastora. Poesía
rustica amorosa en metros cortos. lirica popular Las serranas eran
personajes de existencia casi legendaria y habitaban en escondidos
puertos o pasos de montaña. Eran de una gran rusticidad de costumbres y
de una tal simplicidad moral que escandalizaban a personajes más
cultivados que, extraviados por la dureza del camino y el clima hostil,
se veían obligados a pedirles albergue, por lo cual ellas pedían una
especie de peaje, bien sexual, bien en forma de algún regalo. A algunas,
incluso, se les atribuían crímenes o desapariciones de viajeros. Ése es
el origen de la leyenda de La Serrana de la Vera,
quien, al parecer, embriagaba a los viajeros, les hacía el amor y
cuando se desmayaban de sueño, los degollaba y guardaba sus huesos en su
cueva. Este argumento dio origen a no pocos romances y piezas teatrales del Siglo de Oro.
Romanza .-
Alba - Un alba
es un subgénero literario de la lírica tradicional y de la lírica culta
trovadoresca que describe el disgusto de los amantes que, habiendo
pasado la noche juntos, tienen que separarse al llegar la mañana.
En el caso de la lírica trovadoresca provenza, esa separación se debe
al miedo a ser sorprendidos por el marido, ya que en la lírica antigua
el amor adúltero era más poético porque los matrimonios solían ser
concertados por los padres y no por amor, sino por intereses económicos.
Interviene también en la lírica trovadoresca provenzal el personaje del
guaita (vigilante) que es el amigo que tiene que permanecer
alerta y que se encarga de avisar, al hacerse de día, que ha llegado la
hora de separarse. A veces los amantes se enfadan con el amigo ya que
les avisa antes de hora; le acusan de no haber dormido y de tener ganas
de dejar la vigilancia.
El alba siguiente no es habitual en cuanto a estrofas. Se trata de
una composición de autor anónimo y de una sola estrofa que condensa
perfecta y delicadamente el contenido que en otras poesías ocupa muchos
versos, que detallan las sensaciones del caballero y de la dama antes de
separarse.
Cuando el ruiseñor trina
con su pareja de noche y de día
yo estoy con mi bella amiga
bajo la flor,
hasta que el vigilante de la torre
llama:"Amantes, ¡A levantarse!
que yo veo el alba y el día claro."
Alba religiosa. - El alba religiosa es una variante del Alba, estilo trovadoresco condicionado por el contenido. En este estilo se desea que llegue la mañana (símbolo de la gloria divina, de la gracia, de la Virgen, etc.) y se teme o se habla mal de la noche (símbolo de tentaciones, pecados, etc.) que se desea que termine.
Aunque las albas amorosas son más abundantes, entre los trovadores catalanes se puede encontrar algún alba religiosa con esta de Cerverí de Gerona
en que el trovador desea, al contrario de lo que ocurre con los
enamorados clandestinos, que llegue el día ya que así se terminarán las
ansias y los peligros de la noche; el día traerá la luz que desea el que
no esconde nada.
Planto - El planto (o llanto), también llamado endecha,
es un tipo de elegía, propio de la Edad Media, en que el poeta lamenta
el fallecimiento de un ser querido. Si es de carácter popular y surgido
de la lírica tradicional, se denomina endecha; si el autor es de carácter culto, planto.
En la literatura castellana, el primer ejemplo de elegía funeral o planto que aparece es el Planto que fizo la Virgen el día de la Pasión de su Fijo, de Gonzalo de Berceo. Juan Ruiz, arcipreste de Hita, incluyó un planto por la muerte de Trotaconventos en su Libro de Buen Amor (siglo XIV). Las Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique (siglo XV) suponen la máxima expresión del género, ya al fin de la Edad Media.
En la literatura catalana, las primeras manifestaciones de plantos, llamados planys, las encontramos en los trovadores, en la lengua d'Oc, el Occitano, que utilizaron en su versión koiné más arcaica para realizar sus composiciones.
El pueblo solía entonar canciones funerarias que expresaban el dolor
por la muerte de un ser querido, y se cantaban desde muy antiguo: Alfonso X el Sabio ordenó que los clérigos se retirasen de los entierros cuando los acompañantes endechassen. La más antigua conservada es la que entonaron las damas canarias en la muerte del caballero Guillén Peraza (1443):
Llorad las damas, / si Dios os vala, Guillén Peraza / quedó en la Palma, la flor marchita / de la su cara. No eres palma, / eres retama, eres ciprés / de triste rama, eres desdicha, / desdicha mala. Tus campos rompan / tristes volcanes, no vean placeres, / sino pesares, cubran tus flores / los arenales. Guillén Peraza, / Guillén Peraza, ¿dó está tu escudo, / do está tu lanza? Todo lo acaba / la malandanza.
Debates entre trovadores
Tensón -(en gallego, tenzón; en portugués, tenção; en provenzal, tençon; en catalán, tençó) es un subgénero de la lírica medieval trovadoresca en que aparecen las críticas mutuas entre juglares y trovadores o entre trovadores. La temática puede ser variada, desde temas amorosos, la forma de hacer poesía, etc.
La tensón es un género menor de las cantigas de escarnio. Es una cantiga de carácter dialogado en que, generalmente, uno de los dos interlocutores habla en una estrofa y otro en la siguiente.2 En el Arte de Trobar
se dice que las tensones pueden ser de amor, de amigo o de escarnio,
pero hoy se tiende a hablar de tensones como una variedad de las cantigas de escarnio y maldecir.
El diálogo se establece entre un trovador y un juglar,
con el consiguiente interés de la diferencia social y cultural que
podían presentar. El primero que interviene elige el argumento, el otro
debe responder ateniéndose al mismo esquema métrico y rítmico. Hay,
pues, una tendencia a la ridiculización pública y son una interesante
crónica de la vida y la sociedad de la época.
Se conservan treinta tensones galaicoportuguesas: 28 son burlescas y
sólo dos son de amor. Este género tuvo su apogeo en la época de Alfonso X el Sabio, ya que casi todas corresponden al periodo de entre 1250 y 1280.
Juego partido - el ‘joc partit’ [juego partido], un diálogo más bien lúdico.
Para saber más interesantes artículos en http://www20.gencat.cat Generalitat de Catalunya
Los
trovadores, los poetas de los siglos XII y XIII, escribían sobre el
amor, el sexo, la política, la moral o la religión en occitano. Su
poesía nació en las cortes y estaba escrita para ser cantada. Fue
innovadora, porque era culta, laica y utilizaba la lengua vulgar. Acceso a la galería multimedia
El término goliardo se utilizó durante la Edad Media para referirse a cierto tipo de clérigos vagabundos y a los estudiantes pobrespícaros que proliferaron en Europa con el auge de la vida urbana
y el surgimiento de las universidades en el siglo XIII. La mayor parte
de ellos estudiaron en las universidades de Francia, Alemania, Italia e
Inglaterra. No obstante, la figura del goliardo puede rastrearse hasta
épocas muy anteriores. Ya en el siglo IV, el concilio de Nicea condenaba a un cierto tipo de clérigos de vida licenciosa que podrían equipararse al goliardo (Vagans). En la Regla benedictina y en otros textos canónicos posteriores se vuelve a mencionar a la figura del clérigo vagabundo y ocioso.Etimología
La derivación de este término es incierta. El término del francés antiguo gouliard, «clérigo que llevaba vida irregular», a su vez alteración del bajo latín gens Goliae, propiamente «gente del demonio», del latín Golias «el gigante Goliat», «el demonio». Aparentemente, el nombre procede de gula («goloso»), por su insaciable apetito o glotonería, y de la analogía fonética de Golias, que procede del gigante bíblico Goliat, al que se identificaba desde antiguo con el diablo.
Otra posibilidad es la derivación del “obispo Golias” un santo patrón
probablemente mítico al que ellos mismo hacía referencia. Así pues,
podría venir de una forma del latín medieval del nombre Goliat, el gigante con quién luchó al rey David en la biblia,
para hacer valer su posición de estudiantes cultivados y grandes
bebedores que satirizaban a las autoridades eclesiásticas y políticas.
Muchos estudiosos del tema creen que se remonta a una carta escrita por san Bernardo de Claraval al papa Inocencio II, en la que se refirió a Pedro Abelardo como 'Goliath', creando así un vínculo entre Goliat y los estudiantes seguidores de Abelardo.
Forma de vida
No es extraño, pues, que los concilios condenasen de forma recurrente
a los goliardos y su vida disipada. Se cree incluso que en algún
momento llegaron a crear alguna especie de secta o cofradía. Obra y trascendencia
Pero, más allá de su forma de vida, lo que más interesa de los
goliardos es su afición a la literatura. Muchos de ellos escribieron
poesía satírica en latín, donde, expresando su descontento, criticaban a
la Iglesia, a la sociedad establecida y al poder, así como
composiciones líricas donde elogiaban el vino, la taberna, el juego, las
mujeres y el amor. La poesía goliardesca
se cultivó por toda Europa durante la Edad Media. Las composiciones,
casi siempre anónimas, son muy diversas: desde poemas sencillos hasta
otros muy elaborados y retóricos.
En España, los goliardos eran llamados sopistas y, de ellos, derivaría la actual tuna.
La cantata Carmina Burana de Carl Orff está inspirada en este tipo de escritos medievales.
Véase también:Goliardía Notas: Breve diccionario etimológico de la lengua castellana, Joan Corominas, Madrid, Gredos, 1961. Referencias bibliográficas: Waddell, Helen, The Wandering Scholars, 1927. Symonds, John Addington, Wine, Women, and Song, 1966 [1884].
Origen y características del movimiento
Se autodenominaban goliardos en atención a su mítico patrono el obispo Golías, o como alusión al gigante Goliat,
que por generalización representaba al Demonio. A cambio de sus poemas
amorosos y sus cantos jocoso-burlescos estos estudiantes recibían como
pago unas monedas, vino o una sopa caliente en los conventos.
Conservaron sus distintivos clericales, es decir: la tonsura, que es el
rapado circular de la coronilla del cráneo y los hábitos que vestían. Se
reunían en "hermandades" con el fin de protegerse, lo que aunado a los
distintivos que portaban les permitía sistematizar sus engaños, de los
cuales se valían para subsistir. Las constantes persecuciones
emprendidas en su contra los orillaron a asociarse con los integrantes
del bajo mundo: juglares, saltimbanquis, facinerosos, artesanos, todos
ellos organizados en "razones de seguridad. Sus canciones, que con
frecuencia atacaban la riqueza del alto clero y su corrupción con
ironía, escarnio y transgresión de toda norma moral y conducta social
vigente, ocasionó denuncias y demandas y fueron violentamente
marginados, pero a pesar de sufrir continuas persecuciones y soportar
leyes, decretos y toda clase de edictos en su contra, el movimiento
continuó alimentado por lo mismo que cantaban y protegido por la parte
más liberal y menos integrista y romanista de la iglesia. La mayoría
eran clérigos pobres o sin parroquia, monjes ociosos o estudiantes de
las scholae catedralicias, los estudios generales y las universidades medievales. Constitución de la literatura
Es una literatura que va del latín rimado en consonante y el verso corto al mismísimo hexámetro
y que tiene por temas el vino, el amor erótico, la taberna, el juego,
la pobreza, el aburrimiento del estudio y la petición de regalos que
alivien la pobreza de los escolares. Un ejemplo:
In taberna quando sumus,
non curamus quid sit humus,
sed ad luddum propreramus,
cui semper insudamos...
(«Cuando estamos en la taberna no nos interesa qué sea la tierra,
sino que nos precipitamos al juego, en el que siempre nos hace sudar.»)
Esta literatura se caracteriza por su humor, su tono picante y a
veces intensamente erótico, su carácter popularizante y el uso de las
parodias de la liturgia cristiana medieval. Existe asimismo un tono
crítico y de sátira hacia el alto clero que deriva de que fue compuesta
por clérigos pobres o estudiantes.
Bibit hera, bibit herus,
bibit miles, bibit clerus,
bibit ille, bibit illa,
bibit servus cum ancilla,
bibit velox, bibit piger,
bibit albus, bibit niger,
bibit constants, bibit vagus,
bibit rudis, bibit magus,
bibit pauper et aegrotus,
bibit exul et ignotus,
bibit puer, bibit canus,
bibit preasul et decanus,
bibit soror, bibit frater,
bibit anus, bibit mater,
bibit ista, bibit ille,
bibunt centum, bibunt mille.
(«Bebe la señora, bebe el señor / bebe el caballero, bebe el clérigo,
/ bebe aquel, bebe aquella, / bebe el siervo con la criada, bebe el
animoso, bebe el perezoso, / bebe el blanco, bebe el negro, / bebe el
constante, bebe el vago, / bebe el tosco, bebe el sabio, / bebe el pobre
y bebe el enfermo, / bebe el desterrado y el desconocido, / bebe el
niño, bebe el viejo, / bebe el obispo y el decano, / bebe la hermana,
bebe el hermano, / bebe la abuela, bebe la madre, / bebe ésta, bebe
aquél / bebieron ciento, bebieron mil.»)
Orígenes de la literatura
La poesía goliarda surgió al lado de la poesía latina culta y fue una
expresión más libre que suponía la misma preparación que la utilizada
por los letrados. Fue sumamente rica y coincide con el movimiento
cultural que se extendió por toda Europa durante los siglos XII y XIII.
En efecto, alcanzó su mayor esplendor durante estos dos siglos. Las
colecciones que se han conservados de los goliardos comprenden un corpus
con toda clase de composiciones, religiosas y profanas; un mismo autor
podía atenerse tanto a una como a otra tendencia. Su poesía podía
entrever sátiras crueles o composiciones de un realismo sorprendente.
Sin embargo, se apartaban de las metáforas clásicas y añadían
reflexiones acerca del destino endeble de los hombres, la alegría, la
euforia por la embriaguez y el vino, lo sagrado y lo profano. Eso
suponía ya una cierta quiebra del teocentrismo medieval y un avance hacia otra manera de entender el mundo, nuevos aires.
Características de los goliardos
Los goliardos presentaron dos rasgos comunes: la pobreza, no como
voto religioso sino como una molesta y terca realidad, y la marginación.
No fueron clérigos cultos, aposentados en conventos o abadías,
provistos de bibliotecas y costumbres confortables, tampoco vivieron
entre los trovadores que cantaban hazañas de héroes. Quizá sea un grupo
maldito, una casta de intelectuales nefastos o terribles que
escarnecieron y cuestionaron todo. Se llamaron a sí mismos "clérigos
errabundos" y, desde fecha temprana, fueron impugnados. En el siglo X
los mandaron rapar por redadas, para borrarles la tonsura clerical; se
les prohibió cantar versos religiosos en las misas; por último, diversos
decretos, leyes, ordenanzas y concilios les prohibieron cantar y
comportarse conforme al espíritu de sus poemas.
Representantes más conocidos de la literatura
Ya entre los griegos algún poeta prefigura al goliardo, como Hiponacte. Sin embargo, como algo específicamente medieval, las mayores figuras de la literatura goliardesca fueron los poetas Hugo de Orleans, Gualterio de Chatillón, Pedro de Blois, el Archipoeta de Colonia Gualtero Mapes y, según algunos, Pedro Abelardo.
Pero la mayoría de las piezas son anónimos o atribuidas a un misterioso
Golias o Goliath que da nombre a la escuela, y sus composiciones se
encuentran agrupadas en cancioneros como los Carmina Burana, al que puso música el compositor Carl Orff, el Cancionero de Ripoll y otros. En Castilla se encuentran ecos de la literatura goliardesca en Juan Ruiz, . Algo de la tradición goliardesca perdura en la costumbre universitaria de crear cofradías llamadas tunas o estudiantinas que cantan y tañen instrumentos y componen canciones pícaras y pedigüeñas. En Francia recoge esta tradición François Rabelais, autor de la obra narrativa Gargantúa y Pantagruel, de estilo satírico-popular sobre héroes carnavalescos; y François Villon
quien, nacido hacia 1431, fue clérigo, poeta, licenciado en artes y
delincuente. Murió colgado en la horca por asesinar a un religioso, y se
lamentaba: Saura mon col que mon cul poise (Sabrá mi cuello que mi culo pesa).
Obras más conocidas
Los Carmina Burana,
acaso los poemas goliardescos más célebres, se deben traducir como
"Cantos de Beuren", a causa del nombre con el que Johann Andreas
Schmeller publicó en 1847 la primera edición del manuscrito de la obra.
Los poemas goliardescos que integran la colección se sabe que fue
reunida hacia 1225 y se encontró en el monasterio de Benediktbeuren en
Baviera, región alemana ubicada entre los Alpes y la frontera con
Chequia. Hoy se conserva en Munich, la capital bávara. Los poemas están
en lenguas latina y bajo-alemán y de ellos Orff tomó selecciones de los
temas más representativos de la poesía de los clérigos vagantes: lo
inconstante de la suerte, la primavera y sus múltiples manifestaciones
de vida; la embriaguez, el sarcasmo, la ridiculización y los placeres
sensuales, a los cuales fueron tan aficionados.
Véase también: Goliardo Bibliografía: Ricardo Arias y Arias, La poesía de los Goliardos. Madrid: Gredos, 1970. Luis Antonio de Villena, Dados, amor y clérigos. Madrid: CUPSA, 1978. Ernst Robert Curtius, Literatura europea y Edad Media latina. México: FCE, 1955. Carmina Burana, prólogo de Carlos Yarza y traducción de Lluís Moles, Barcelona, Seix Barral, 1981. Lírica latina medieval. Tomo I: Poesías profanas, edición bilingüe preparada por José Oroz Reta y Manuel-A. Marcos Casquero, Madrid, Biblioteca de Autores Cristianos, 1995
Los goliardos con sus letras zafias y ligeras quizás era un movimiento
planificado que sembraban ideas contra los poderes políticos y
religiosos.
Durante la edad media existieron cofradías de muchas índoles, desde
la más conocida, como la de los constructores - cuna de tantas sociedades secretas y escuelas esotéricas como heredera de otras muchas -, o las comerciales, que no pasaron de ser funcionales y organizativas.
Pero algunas otras eran agrupaciones o sociedades que parecían una reunión de maleantes, mendigos y gentes dadas al sexo y la bebida. Sin embargo, tenían un sentido trascendente, su visión de lo espiritual y lo sacro eran contraculturales. Este movimiento, sobre todo, estaba representado por los Goliardos.
Los Goliardos
Vayamos por orden y hagamos una pequeña introducción al mundo de los
Goliardos. Su nombre se presta a tanta confusión como el origen de este
movimiento. Dicen que viene del imaginario Obispo
Golías, patrón de los estudiantes, o del gigante bíblico Goliat. Este
se identificaba antiguamente con el demonio. Incluso, algunos afirman
que viene de la palabra gula en francés " geule". De ahí guliarts, que
se latiniza en goliardos. Más aún, "goliardus" en latín significa
glotón.
Además esta posibilidad se acentúa porque un símbolo que los
representaba era la cuchara de marfil y es por la que personalmente
apostamos con más fuerza sin desestimar que las otras sean válidas .
¿Simples vagabundos?
Se dice que este grupo de irreverentes está compuesto por estudiantes
de las universidades que, a cambio de sus rimas,a veces románticas y
veces burlescas, recibían como pago unas monedas, vino o una comida en
los conventos. También se cree que los goliardos eran clérigos errantes
que llevaban la tonsura, es decir el rapado de la coronilla, vestían
hábitos y se reunían en “hermandades”.
Lo cierto es que estos personajes eran populares y sus poemas y
cantos burlescos tenían como temas centrales el sexo, el vino, el juego y
la crítica a los excesos de los dirigentes de la iglesia y de los
señores feudales. Se puede decir que los goliardos fueron precursores de
la canción protesta.
Hace algún tiempo investigando la simbología de las catedrales, los
también conocidos como “Ordo Vagorum” (orden vagante) que podrían pasar
por una simple “cuadrilla de alegres gamberretes medievales” despertaron
el interés de quien escribe y le hizo pensar que quizás no eran tan
simples y más sabiendo que eran los autores del... Carmina Burana
Carmina Burana
Esta obra es una recopilación de cantos goliardos en el Codex Latinus
4660 que fue encontrado durante la secularización en 1803 de la
biblioteca de la antigua abadía benedictina de Beuron en Baviera superior cerca de Múnich, por lo que fue adquirido por la biblioteca de esta ciudad donde se halla actualmente el Carmina Burana.
El texto consta de 25 canciones de una colección del manuscrito que
recoge un total de 300 poemas, escritos en su mayoría en latín, aunque
algunas pequeñas partes en alto alemán medio, además de francés antiguo y
en algunos casos, los idiomas estaban mezclados. El códice de los Carmina Burana fue escrito a mediados del S. XIII en el sur de Alemania.
Burlas o críticas veladas
En los Carmina Burana se ridiculizaba y criticaba la sociedad
medieval en general, pero sobre todo a los que ostentaban el poder. Las
composiciones más características son las Kontrafakturen que
imitan las letanías del Antiguo Evangelio para criticar a través de la
sátira, la decadencia de la curia romana, o para elogiar al amor, al
juego o, sobre todo, al vino.
De lo más interesante es el hecho de que estaban escritas con una
muestra de erudición al alcance de pocos y sin embargo con una gran
facilidad para ser entendidas por todos, o sea, toda una genialidad.
Estos son algunas de las partes de que constan el Carmina Burana y su denominación:
Carmina ecclesiástica (canciones sobre temas religiosos).
Carmina moralia et satírica (representaciones religiosas).
Carmina amatoria (contiene obras sobre la bebida, y también parodias).
Carmina potoria (canciones de amor).
Ludi (cantos morales y satíricos).
Supplemantum (versiones de todas las anteriores, con algunas variaciones).
Un Carmina español
No es muy conocido que en España tenemos una de las tres representaciones de cantos gordialescos que existen. Nuestro "Carmina Burana" se encuentran en unos manuscritos escritos en el siglo XII en el monasterio de Santa María de Ripoll (Cataluña), donde son conservados y son llamados Carmina Rivipullensia.
El tercero es el Carmina Cantabrigiensia, llamado así por conservarse
en la universidad de Cambridge copia del siglo XI hecha por un clérigo
alemán de composiciones pertenecientes a los siglos IX y X.
Hitler y el Carmina Burana
El compositor alemán Carl Orff
(1895-1982) adaptó la versión que todos conocemos de este cancionero,
nada menos que para Hitler que estaba muy interesado en todo lo que
fueran músicas inspiradoras de poder y qué duda cabe de la fuerza de
esta composición.
Este buscaba cualquier forma de manipular a la masa de forma hipnótica y el poder del Carmina Burana no le pasó desapercibido .
Transcripción
y traducción literal de 16 poemas de influencia goliárdica que se
encuentran en la hoja de índice de Los Comentarios de Iohannes Andree al
libro VI de las Decretales, códice del siglo XV, con un breve
comentario introductorio poniéndolos a disposición de los filólogos para
su estudio más completo y profundo
CARMINA BURANA: Subido por tucan2 en 5 partes, con subtítulos en español
Film:
Carmina Burana atque imaginibus magicis. 1975, 60 Min., Jean-Pierre Ponnelle. Lucia Popp, Hermann Prey,
John van Kesteren, Benno Hoffmann, Michel Jacot, Chor des Bayerischen
Rundfunks, Tölzer Knabenchor, Münchner Rundfunkorchester. Kurt Eichhorn.
Jean Pierre Ponnelle (19 de febrero de 1932, París, Francia- 11 de agosto de 1988, Múnich, Alemania)
fue un famoso director, escenógrafo, vestuarista y puestista de óperas
francés, uno de los primeros en dirigir y diseñar a la vez sus
producciones. Hijo de un critico musical y amigo de Richard Strauss,
se trasladaron de Borgoña a Baden-Baden donde su padre dirigió la radio
en la zona francesa liberada de la postguerra. Estudió música con el
director Hans Rosbaud y filosofía e historia del arte en La Sorbona comenzando en 1952 su carrera como escenógrafo para la ópera Boulevard Solitude de Hans Werner Henze y en una espectacular Carmina Burana de Carl Orff.
Lucia Popp (Lucia Poppova) (Uhorska, Bratislava, 12 de noviembre de 1939– Múnich, 16 de noviembre de 1993) fue una popular soprano eslovaca junto a Edita Gruberová y Gabriela Benackova,
las tres más famosas exponentes del canto centroeuropeo de su
generación. Lucia Popp debutó en 1963 en Bratislava, y luego apareció en
la Ópera Estatal de Viena, Austria, donde permaneció hasta su muerte.
"¡Señorita, usted es fenomenal! " gritó la gran Elisabeth Schwarzkopf al oírla por primera vez.
Se destacó por su timbre clarísimo, pleno y cálido, así como su
técnica impecable. Está considerada una de las más importantes sopranos
de coloratura posteriores a la Segunda Guerra Mundial. ..... Murió en Munich a los 54 años de un cáncer cerebral. Estaba casada con el tenor Peter Seiffert.
Lucia Popp tiene el timbre de voz mas hermoso que pudo haber en la
tierra, queda plasmado su talento y bella voz en esta gran opera.
Ver más en: Biografía - Su famosa aria de La reina de la noche de Mozart - Canción a la luna de la ópera Rusalka de Dvořák -
Hermann Oskar Karl Bruno Prey (Berlín, 11 de julio de 1929 –
Krailling, Baviera, 22 de julio de 1998) fue un barítono alemán. Es
recordado sobre todo por sus interpretaciones de Fígaro - el de Mozart y el de Rossini - durante el tercer cuarto del siglo XX. Se destacó también como Papageno en La flauta mágica de Mozart y como Eisenstein en Die Fledermaus ("El Murciélago") de Johann Strauss. Fue uno de los grandes intérpretes de canciones alemanas (Lied) y contemporáneo - y rival- de su coterráneo Dietrich Fischer-Dieskau.
Carmina Burana según Wikipedia menciona
que Carl Orff subtituló está composición como: Cantiones profánae
cantóribus et choris cantándae comitántibus instrumentis atqüe
imáginibus mágicis que en español: 'canciones laicas para cantantes y
coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas'.
Jean-Pierre
Ponnelle un reconocido escenográfo definitivamente supo plasmar está
definición de Orff a su obra, te invito a que descargues los archivos y
compruebes la magia de la música en sus imágenes...
Habría que decir en primer término que
"Carmina Burana", cantáta escénica, es una de las tres obras que
integran el tríptico "Trionfi" conjuntamente con "Catulli Carmina" y "El
Triunfo de Afrodita" compuesta por Carl Orff, por encargo del gobierno
alemán con la finalidad de rescatar y difundir la literatura medieval
germana. En esta monumental obra se descubren además, resabios de
antiguos mitos y leyendas del medioevo alemán y del mundo grecolatino.
Carmina Burana nombre con el que tituló Orff su cantata, viene del latín
"carmen", que significa poema y de la palabra Burana, gentilicio de
Bura, localidad bávara en donde se encuentra la abadía de Bura Sancti
Benedicto y en la que fueron hallados una serie de escritos goliardos
(s.XIII), 300 en total de los que Orff tomó 25 para musicalizarlos en su
Carmina Burana. La colección fue hallada por Christoph von Aretin en
1803.
Recordemos que los llamados "goliardos" eran jóvenes que
sin vocación alguna habían abrazado la vida religiosa para luego
abandonarla y cambiarla por una muelle y licenciosa, a ellos se les
unieron estudiantes que habiendo abandonado las universidades optaron
igualmente por llevar una vida disipada y bohemia; precisamente la
palabra goliardo viene del latín "goliardus" que significa glotón. Los
poemas están inspirados en Cátulo, poeta romano del s. I a.C., Homero y
Ovidio y están escritos en latín, alemán antiguo y algunos segmentos en
francés también antiguo. La temática es profana y de índole
fundamentalmente amorosa, así como de exaltación de los placeres de la
vida y de la naturaleza; también de crítica satírica y en muchos casos
grosera, hacia algunos estamentos como el clero que sufría por entonces
una etapa de decadencia moral. La obra por cierto fue subtitulada como:
"Cantiones profánae cantóribus et choris cantándae comitántibus
instrumentis atqüe imáginibus" es decir: "canciones profanas para
cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes
mágicas"
La sección más connotada del Tríptico es sin duda la que
hoy tratamos: Carmina Burana, siendo de los 25 poemas que la conforman,
"O Fortuna", dedicada a Fortuna, la diosa romana de la suerte, la más
conocida de todas. Hay que lamentar sin embargo el abuso que se ha
hecho de ella en el medio cinematográfico y audiovisual, desvirtuando su
mensaje y convirtiéndola en muchos casos en la vulgar musicalización de
cuentos de horror. La capacidad efectista de la obra es grandilocuente y
está exenta de monotonía dada la riqueza rítimica con la que distingue a
cada una de sus partes. Carl Orff compuso la obra entre 1935 y 1936. A
continuación texto, traducción y audio de la página más celebre del
compositor alemán.
